Mapa conceptual - Zigurat del dios Ur

Ecfrasis - Cueva de San Borjitas

Una sinuosa pendiente de suelo pedregoso, en tramos pronunciada, lleva hasta la caverna, es magnificente, pero a la vez fría. A 250 metros de altura se muestra imponente; el agua corre lentamente por su superficie y a su paso deja apenas unos rastros que nos guían por cada pintura colosal que adorna la Cueva de San Borjitas en Baja California Sur, México. En su interior se encuentran una de las policromías más ricas de la tradición “Gran Mural”, parecieran ser el precedente la exitosa tradición muralista de nuestro país.

Cómplice, el arroyo intermitente de San Baltasar con agua que brota de las piedras lenta pero inquieta . A su paso apenas humedece algunas raíces de los incontables matorrales espinosos y amenazantes que crecen en el terreno semi-desértico en toda la sierra de Guadalupe.

La Cueva de San Borjitas con todas sus pinturas está cerca del agua. Se abre en tierra fértil como fruto de plantas resistentes al clima y el tiempo entre las piedras que son testigo y lienzo que sirve de la para mostrar la memoria de quienes habitaron hace 7,500 años esta cordillera seca, de exuberantes oasis.
Al observar las milenarias efigies antropomorfas de hasta tres metros plasmadas sobre el techo de aquella inmensa oquedad, cualquier artista no tendrá más que reconocer que hubo alguien que se adelantó a su talento.

Su edad es, 2 mil años más antiguas que las que se localizan en una región adyacente al Río Pecas, en Texas, Estados Unidos, consideradas las más primitivas hasta antes de que fueran descubiertas. Cada pintura colosal nos muestra las memorias de quienes habitaron esa región.

La imagen más antigua, de más de dos metros de altura, está dividida de manera vertical a la mitad por los colores rojo y negro, y representa a un individuo masculino con los brazos extendidos que es atravesado por un par de flechas, en el cuello y las costillas.

Desde el interior, la boca de la caverna pareciera un gran ventanal hacia el cielo, por dónde se asoma el corazón de la sierra. Altísimos cardones, chollas llenas de espinas con silueta semejante a los corales, frondosos mezquites de flores amarillas y pitayas de fruto dulce.

San Borjitas es uno de los tres sitios arqueológicos abiertos al público en la sierra de Guadalupe, ubicado al oeste de la población de Mulegé, a unos kilómetros del apacible Golfo de California: una cueva de sólo 50 metros de frente pero su profundidad alcanza los 60 metros: espacio amplio y sombreado, de techo plano y relativamente bajo por lo que constituyó un lienzo ideal para pintar.

Collage del mito de Dédalo e Ícaro

Los mitos griegos representan a sus dioses o héroes y formaban parte fundamental de su religión.

Dada esta importancia en su vida cotidiana, la representación gráfica de estos mitos fue eje fundamental para reforzar su creencia en ellos.Las diferentes expresiones del arte hay tomado como tema los mitos griegos para desplegar las más impresionantes técnicas de creación.No en todos los tiempos se usaron las mismas técnicas, lo que ha permitido que con un mismo tema se pueda observar una gama diferente de formas de expresión.

El mito de Dédalo e Ícaro es corto pero encierra diferentes paradigmas, como la del joven que por naturaleza es rebelde y contestatario. Pero también es ingenioso y arriesgado.

Utilizamos este mito conocido para realizar una propuesta de collage como técnica creativa, se toman tanto elementos reales como de pintura clásica y moderna.

How the art made the world? - Capítulo 3. El arte de la persuación

Durante el curso se ha visto el impacto que tienen las imágenes dentro de la sociedad, porque de todo lo que vemos nos genera una opinión sobre sí mismo, sea cosa o persona. Sin embargo, es más complicado cuando no sabemos interpretar imagen que puede estar incluso relacionada con algo más.

El documental es un resumen de cómo la se han desarrollado y aplicando estrategias de manipulación de la imagen en pro del beneficio político de quién hace uso de éstas.

Los líderes de la mayoría de los países modernos explotan una poderosa herramienta política: el poder de las imágenes. Estas técnicas, fueron inventadas hace miles de años por los líderes del Mundo Antiguo.

Pero ¿cómo los políticos realmente usan las imágenes para persuadirnos, a menudo sin que nosotros lo sepamos? ¿Cómo lo hicieron hace miles de años? Una antigua tumba cerca de Stonehenge reveló a un hombre importante enterrado con adornos de oro hermosamente hechos a mano, probablemente los únicos objetos de oro en Gran Bretaña en ese momento. Este oro, tan increíblemente raro, habría deslumbrado a los lugareños, creando la imagen de un líder. Así que claramente se aprendió al principio de la historia humana que el arte como adorno personal mejoraba su estado. En otras partes del mundo antiguo, sin embargo, muchos líderes tenían vastos imperios con muchas personas, conquistas diferentes para gobernar, situación en la que poseer joyas finas no era suficiente para transmitir su mensaje real.

A Darío el Grande, rey de los persas, se le ocurrió el primer logotipo político de arte, y luego Alejandro Magno amplió el concepto imprimiendo su rostro en las monedas que inundaron su imperio. Augusto de Roma, cuarenta años antes de Cristo, inventó la primera mentira política al crear una serie de retratos de estatuto que lo hicieron aparecer como un hombre del pueblo, mientras exterminaban implacablemente a la competencia.

Los políticos modernos usan técnicas similares a las inventadas por los gobernantes de antaño, pero en lugar de pintura y mármol, usan tecnología digital. Pero cualquiera que sea la forma final, las personas siguen siendo tan vulnerables como siempre al poder persuasivo del arte. Es en este punto donde el rol del comunicador visual, como productor de ideas con la responsabilidad de generar el impacto deseado tiene singular relevancia. Sin un trabajo creativo innovador, el impacto será poco, con el que sin duda, el resultado político esperado no se alcanzará.

La cueva de los sueños olvidados

Documental

A lo largo del documental las experiencias sensoriales son lo que marca la pauta para dar un paso a la investigación profunda de cómo un hombre de la prehistoria, con el uso de sus manos y el juego de las formas, dentro de una caverna, nos logra transportar a una dimensión que nos permite entender un poco más la cosmovisión dentro del arte prehispánico.

"Ya no es sólo hacer historia" dice Julien Monnel, las pinturas rupestres tienen un impacto emocional, la sensación de movimiento que logró el hombre primitivo con ayuda del relieve de las cavernas, además de su habilidad para el dibujo, alimentan los sentidos, le da vida a la caverna, dotándola de una connotación fetichista, convirtiéndola en un santuario que en su silencio otorga paz.

Infografía

El desarrollo artístico de la humanidad ha dejado huella en las diferentes regiones del mundo mediante las pinturas plasmadas en las superficies rocosas, las cuales presentan característica que comparten pero que a la vez las hacen particulares. Tienen como constante el uso de materiales naturales, con pigmentos presentes en la naturaleza.

En la infografía que les comparto, se hace un breve resumen de los sitios y características de las principales huellas de la habilidad para representar el entorno de aquellos primeros habitantes.

Representación egipcia adaptada a mi identidad

Al preguntarme qué me identifica, evoco sin dudarlo al estado origen de mis ascendientes, Oaxaca.
Estado rico en tradiciones, gastronomía y diversidad geográfica. En el estado de Oaxaca lo mismo puedes encontrar sitios de gran turismo con los altos estándares de la modernidad, como comunidades sencillas en las que la naturaleza se conserva en su máxima expresión.

Mi familia es originaria de la Región Mixteca, específicamente del municipio de Chazumba, de la ciudad de Huajuapan de León, lugar dónde se compuso la emotiva Canción Mixteca, pieza musical que une a todos los originarios del estado.

Asimismo en la región Itsmo de Tehuantepec, específicamente en la comunidad de Juchitán, recientemente fuertemente afectada por el sismo del 19 de septiembre del 2017, es representativo el traje típico que se usa en las celebraciones llamadas Velas Juchitecas, una de las celebraciones más importantes, son la prueba irrefutable del orgullo que sienten por su cultura y de la capacidad de sus habitantes de vivir  para la fiesta. La etnia zapoteca habita en la región sur del estado y trabaja todo el año para celebrar como "Dios manda" sus fiestas de mayo. En estas fiestas las mujeres lucen sus hermosos vestidos bordados a mano con hilos multicolores sobre fondos de color intenso, negro, rojo, verde, o azul, lo cual implica un alto trabajo creativo.

Así como las costumbres y culturas pueden convivir en un mismo estado, la sinergia entre dos culturas muy diferentes y distantes en el tiempo, podrían tener elementos que las integren.

La cultura egipcia tuvo un desarrollo progresivo en la estructura y decorado de las columnas empleadas en sus edificaciones, desde los elementos más sencillos con labrado en líneas, hasta aquellas con labrado altamente estilizado con figuras humanas.



Dentro de esta gama se encuentra el tipo de columna llamada "lotiforme" te tiene como elementos diferenciados, labrados que asemejan hojas o flores, en la que los artistas de esa época ponían en activo su creatividad.




Considerando como base los elementos naturales que coinciden entre los bordados del vestido tradicional y las columnas estilo lotiforme, mi propuesta de integración la represento en una columna egipcia sobre la cual el bordado tradicional itsmeño se vea plasmada.

How the art made the world? Capítulo 2. El día que nació la pintura

¿Por qué comenzamos a imitar la realidad mediante figuras y colores? En este episodio se sugiere que los primeros artistas de la humanidad estaban fijando las visiones que se les imponían en estado de trance.

Vivimos en un mundo altamente complejo, que requiere muchas habilidades y competencias diferentes para abrirse camino a través de él.

Una de estas habilidades es mirar las líneas y las formas que vemos a nuestro alrededor y darles sentido. Esta capacidad de leer imágenes es una parte esencial de nuestras vidas. Si no lo tuviéramos, la vida, tal como la conocemos, sería imposible; nuestro mundo sería irreconocible. Pero en algún momento de nuestro pasado antiguo, así era el mundo, sin imagen, luego algo cambió.

En algún momento de nuestra historia humana, probablemente hace unos 35,000 años, los antepasados comenzaron a crear imágenes y a entender lo que significaban. El arqueólogo llama a este período la "explosión creativa". Pero ¿por qué la gente decidió repentinamente comenzar a crear imágenes del mundo que los rodea?

El descubrimiento de las pinturas rupestres prehistóricas de Altamira dio a los expertos del siglo XIX una pista sobre esta cuestión: primero teorizaron a los humanos prehistóricos, evidentes, pintados simplemente para representar el mundo que los rodeaba. Pero esa no fue una respuesta real, ya que estos primeros artistas solo parecían pintar una cosa: animales. Y también pintaron sus cuadros en cuevas oscuras, lejos de los ojos de los demás.

Los científicos que estudian estados de conciencia alterados sugieren que la respuesta está en el cableado del cerebro. La gente no solo un día decidió inventar hacer imágenes. Por el contrario, los artistas prehistóricos experimentaban la privación sensorial en lo profundo de sus cuevas, en una especie de estado de trance, lo que resulta en alucinaciones poderosas.

Estas alucinaciones fueron de una importancia emocional tan poderosa que se sintieron obligadas a pintarlas en las paredes. Según esta teoría, estos artistas simplemente estaban clavando sus visiones.

Para descubrir las primeras pinturas de dos dimensiones, necesitamos ver el arte creado en cuevas como Altamira, Chauvet y Lascaux, estas fueron creadas aproximadamente 35,000 años, el tiempo que el arqueólogo describe como la 'explosión creativa'.

La primera de estas pinturas rupestres fue descubierta en Altemira por Marcelino Sanz de Sautuola y su hija de 8 años María en 1879. Las pinturas descubrieron en las paredes de las cuevas de animales como Aurochs, un pariente extinto del buey,. Cuando estas imágenes emparejaron imágenes similares de la edad de piedra que él había visto, Sautuola concluyó que eran prehistóricas. Sin embargo, cuando las cuevas se abrieron al público, se las consideró un fraude y, lamentablemente, a pesar de tratar de limpiar su nombre, su descubrimiento no fue científicamente aceptado hasta mucho después de su muerte. Después de esto, las cuevas de Lascaux y Chauvet salieron a la luz y se dice que cuando Picasso vio imágenes de las cuevas, declaró "no hemos aprendido nada".

Hoy los artistas crean imágenes de cada aspecto de la vida, pero en aquel entonces las imágenes eran casi exclusivamente de animales. En Europa, estos eran particulares de caballos, bisontes y renos. se cree que las pinturas estaban vinculadas a rituales que aumentaban las posibilidades de una caza exitosa, sin embargo, arqueología más reciente ha demostrado que los animales representados no eran los que comía la gente de la época. Además, algunas de las pinturas se encontraban en un área de las cuevas muy difícil de alcanzar y presentaban puntos y líneas.

Hay pinturas muy similares que se encuentran en las montañas de Drakensburg en Sudáfrica, sin embargo, a diferencia de loa europeos, estas no se produjeron hace miles de años, sino mucho más recientemente. Estas imágenes fueron producidas por los "hombres de los arbustos" de San y aunque hoy no producen pinturas como esta, el profesor David Lewis Williams descubrió documentos de finales del siglo XIX escritos por un alemán que documentaba la vida y los rituales de los San. Se hizo evidente que su religión se basaba en viajar en estado de trance a un mundo espiritual y que documentaron en estas imágenes sus experiencias en el trance. A menudo estos estados transitorios involucraban animales y los animales representados eran normalmente grandes o animales de poder. Williams también notó otra similitud con sus contrapartes europeas, la de los puntos y líneas.

La investigación de estados alterados, como los trances de la gente San, muestra que al ingresar a estos estados, experimenta disturbios visuales similares a la migraña Aura que involucran líneas y puntos. Al parecer, el hombre prehistórico tenía alucinaciones, que se referían a cosas que estaban cerca de ellos, como los caballos, los bisontes y los uros. Estas alucinaciones fueron recordadas en 2D y el hombre prehistórico las recreó en las paredes de sus cuevas.

Parece, sin embargo, que hace 12,000 años la gente dejó de pintar. No sabemos por qué, pero el descubrimiento de Göbekli Tepe, en el sur de Turquía, puede contener la respuesta. Aquí encontraros una piedra de pedernal que, al excavar, reveló pilares monolíticos construidos hace unos 12.000 años. Estos pilares de piedra presentan tallas de animales como los que se encuentran en las cuevas. El esfuerzo en la creación de estos pilares de piedra habría requerido considerable poder y organización del hombre y los trabajadores necesitarían alimentarse. 

How the art made the world? - Capítulo 1. Más humano que humano

Es una serie documental de cinco capítulos emitida por la BBC. Apoyándose en la psicología y la neurología intenta dar una explicación creíble y amena de ciertos fenómenos artísticos y su relación con el mundo en que vivimos.

En "How Art Made The World", el conferenciante de clásicos de la Universidad de Cambridge, Nigel Spivey, habla sobre la historia épica del arte; cómo la mente humana nos hizo artísticos y cómo el arte nos hizo humanos.

La relevancia del documental se basa en la premisa de que vivimos en un mundo saturado de imágenes. Los damos por hecho y difícilmente podemos imaginar un mundo sin ellos. Solo mirar alrededor nos permite identificar logos, anuncios, fotografías, símbolos, video, arte, están en todas partes, influyéndonos para el qué hacer, dónde ir, cómo vestirse, qué comprar y qué pensar. Las nuevas imágenes se capturan y producen a una velocidad facilitada por la tecnología digital, internet, películas y medios impresos. Estas imágenes tienen el poder de informarnos, entretenernos e inspirarnos, o por el contrario, desinformar, rechazar o aterrorizarnos.

Capítulo 1. Más humano que humano

En este capítulo de la serie, se centra en la constante mayoritaria común en las imágenes que nos rodean, el cuerpo humano. El tema principal de este episodio es acerca de cómo las personas rara vez han creado imágenes del cuerpo que sean realistas. Al comprender esto no solo podemos entender algo acerca de nuestros cuerpos, sino también sobre la naturaleza humana en general.

Las imágenes del cuerpo humano llenan nuestras pantallas de televisión, revistas, la publicidad en general, en casi todo momento que estamos despiertos. A través de las diferentes eras de la humanidad, los artistas han estado obsesionados con la forma humana. La gama de cuerpos que han creado es impresionante, pero comparten una cosa en común, ninguna de estas imágenes se asemeja a un ser humano real. Entonces, ¿por qué nuestro mundo moderno está dominado por imágenes del cuerpo que no son realistas?

Los neurocientíficos teorizan que esto tiene algo que ver con el funcionamiento del cerebro humano. En esencia, nuestro cerebro está diseñado para centrarse en partes de objetos con asociaciones agradables. Entonces, si fueras un artista, la tendencia sería reproducir figuras humanas con las partes que más te importaban. Los artistas prehistóricos fueron claramente atrapados en las tendencias de cambio máximo, la creación de estatuas exageradas como la famosa Venus de Willendorf.

Por su parte, los egipcios perfeccionaron una figura humana más estilizada y obsesionada con el orden, solo para que los griegos estallaran y crearan imágenes fantásticamente heroicas, pero totalmente irreales, como los Riace Bronces. Entonces, ¿por qué entonces somos modernos inundados constantemente por imágenes poco realistas del cuerpo?

En realidad, a los humanos en realidad no nos gusta la realidad, preferimos imágenes del cuerpo exageradas, más humanas que humanas. Este es un instinto biológico compartido que parece vincularnos con nuestro antiguo antepasado.

Los seres humanos poseemos un instinto biológico que nos lleva a exagerar aquellos rasgos que nos interesan especialmente. Vista esta Venus parece que a nuestros ancestros prehistóricos les interesaban ciertos elementos muy específicos en el cuerpo de las mujeres. Es un camino que avanza desde la óptica más crudamente biológica de la Venus de Willendof hasta el ideal de belleza que toma cuerpo en el arte griego.

De alguna manera el pretender reflejar la figura humana a un nivel de irrealidad sea por la relevancia de las partes que instintivamente pueden estar fijas en el cerebro primitivo o sea por le pretensión de representar el cuerpo perfecto que incluso anatómicamente es cuasi imposible, es una tendencia que se manifiesta en las imágenes actuales que nos rodean.

Las imágenes perfectas con cuerpos y texturas perfectas (irreales) es la constante. El cuerpo humano como instrumento de publicidad se centra en aquellas partes principalmente de atracción sexual que muchas veces deja de lado otros elementos humanos, Hoy día los habituales estereotipos publicitarios parecen haber vuelto al espíritu de las cavernas de Willendorf.

La Venus de Willendorf, en el Museo de Historia Natural de Viena, es una pequeña figura de Venus que exagera sus senos, caderas y órganos sexuales. Estas exageraciones son claros símbolos de fertilidad, sin embargo, lo que es interesante es cómo el artista ignoró otras partes del cuerpo, como su rostro y sus brazos. Similares figuras de Venus con exageraciones y omisiones similares de las características respectivas han surgido en toda Europa y Rusia, creadas en los siglos siguientes. El profesor Ramachandran explica por qué las características fueron exageradas. Al hacer comparaciones con la investigación realizada con Gaviotín y cómo sus polluelos, que son estimulados por la franja roja en el pico de sus padres, pueden ser estimulados en exceso al simular un pico con rayas adicionales. Sugiere que el mismo proceso neurológico estimuló al hombre primitivo, razón por la cual exageraron estas características de fertilidad sobre las demás.

Avanzando varios miles de años. Los egipcios, que valoraban la coherencia y el orden en su sociedad, abandonaron las exageraciones de sus antepasados y optaron por utilizar un enfoque matemático para crear imágenes del cuerpo. Eligieron mostrar cada parte del cuerpo desde su ángulo más claro, convirtiéndose en su estilo reconocible y conservando este estilo durante miles de años.

Cuando la cultura del griego clásico entró en contacto con los egipcios, esto encendió una revolución artística en las ciudades estado griegas. La cultura griega quería una representación más realista de la figura de sus templos y, como con el Kritios Boy, midieron y reprodujeron el cuerpo en dimensiones exactas en sus esculturas.

Una generación más tarde, sin embargo, los griegos abandonaron este ultra realismo prefiriendo representaciones exageradas del cuerpo basado en las teorías estéticas creadas por Polykleitos como los Bronces de Riace. El Dr. Ramachandram explica que el arte necesita esta exageración para ser interesante.

El programa concluye lo que elegimos exagerar "es donde entra la magia" y la elección de qué exagerar ha cambiado a lo largo de los siglos para adaptarse a los cambiantes valores humanos.